Témoin de passage

RÉSUMÉ

Par une confidence révélée au creux de l’oreille, une femme se livre franche et directe au spectateur, son seul témoin, laissant place quand les mots se taisent, au récit de corps murmurant ce que les silences dissimulent.

À travers une suite de tableaux chorégraphiques et sonores, Brigitte De Sousa-Laraque nous plonge dans l’expérience intime de cette femme, de la rencontre amoureuse à la perte de soi, pour aborder avec délicatesse, le sujet des violences conjugales.

Avec sensibilité et sans représenter la violence ni la reconstituer, le spectacle explore le ressenti, l’emprise, les doutes, la confusion, la résistance intérieure.

Dans Témoin de passage, l’auteure et metteuse en scène interroge nos valeurs et nos représentations. Elle poursuit son envie d’amener le théâtre dans la réalité contemporaine.

INTENTIONS ARTISTIQUES, UNE CRÉATION COLLECTIVE

La création prend sa source dans l’écriture poétique de Brigitte De Sousa-Laraque, qui a choisi de confier la traduction corporelle de son texte aux trois artistes chorégraphiques Martina Consoli, Côme Tanguy et Stevenson Baptichon.

Cette création collective s’est construite à la croisée des langages chorégraphique et sonore, grâce au travail de Elise le Du alias Ézeli et Mathis Motais, dont la création musicale originale et la voix off enregistrée participent pleinement à l’émergence de cette parole intérieure.

Ensemble, ils ont façonné un langage scénique où le texte circule comme un fil rouge intérieur, proche du souffle, tandis que la danse devient le paysage mental qui révèle ce qui se déploie, se contracte ou vacille.

La scénographie, elle, dessine les espaces mouvants de l’esprit : ses replis, ses couloirs, ses enfermements, mais aussi ses ouvertures et ses vastes étendues.

Cette création collective ne représente pas le réel frontalement ; il laisse émerger la voix de cette femme qui raconte son propre chemin.

Il invite le spectateur à entrer dans un cheminement intérieur, à accueillir la poésie, la métaphore, l’interprétation personnelle.

L’enjeu est de s’éloigner de la violence montrée pour n’en conserver que la vibration sensible, celle qui touche sans imposer, celle qui laisse résonner.

Le spectacle ne cherche ni à illustrer, ni à dénoncer.
Il propose une allégorie du lien amoureux qui déraille, raconté non pas par des faits mais par des perceptions.

Les chorégraphes ont travaillé à partir de qualités de mouvement liées aux émotions (tiraillement, flottement, suspension, déstabilisation, ancrage, dérive…) ; d’espaces modulés (couloir étroit, mur/obstacle, cercle protecteur ou menaçant) ; de situations semi-abstraites qui ouvrent un champ d’interprétations multiples.La gestuelle évolue d’une relation douce à une relation captatrice, en jouant sur : les distances, les poids, les appuis, la manière dont un corps influence l’autre.

Il ne s’agit jamais de représenter la violence physique ; même s’il est question de violence conjugale, tout passe par, la suggestion, la métaphore, la sensation, la traduction poétique. Une esthétique loin du témoignage brut